Du 2 au 15 mai

« Art et Matière »

Marie-Christine Inizan, cartonnière et lissière commence par ses dessins qu’elle retranscrit en tapisseries. Le mélange des nuances et des textures dans ses créations fait vivre de façon contemporaine cet art ancien.

Mosaïste sur commande depuis près de trente ans, Mathilde L'Huillier s’exprime maintenant sur des sujets libres en céramique raku et mosaïque. Ses talents graphiques et artistiques nous donnent des sculptures et tableaux enchanteurs.

Du 16 au 29 mai

"Les peintures abstraites"
de
Janice Toulouse

“Les peintures sont ma déclaration sur ma vie et celle des femmes Indigènes. Une fusion de deux styles de peinture :
l'art contemporain et l’art Ojibwe traditionnel."

Du 20 Juin au 3 Juillet

Pictoroman

Jean-Claude Savi

Aucune caste, aucune meute, aucune église pour venir revendiquer une once de paternité dans ce travail patient et c’est tant mieux. L’acte d’écrire et celui de peindre, de nature très différente, l’un culturellement lié au sens, l’autre naturellement lié aux émotions se retrouvent confondus dans une poésie de la forme où signes et graphismes viennent ouvrir une fenêtre dans laquelle chacun est à même d’inventer ses propres paysages.
                                                                   J.Claude Savi                                                                       

Citoyenne américaine, Rina Banerjee est née à Calcutta en 1963. Suite aux tensions politiques de la fin des années quarante, sa famille quitte l’Inde pour l’Angleterre avant de gagner les Etats-Unis. Bien qu’ingénieure de formation, elle obtient un Master of fine arts à l’Université de Yale en 1995.

Un crâne, des tissus de cérémonie hindoue, une ombrelle chinoise, des colliers africains, des perles en os, de la poudre d’or s’agrègent les uns aux autres pour donner naissance à cette créature cornue, mirifique autant qu’inquiétante.

Le travail de Rina Banerjee exprime toutes les ambiguïtés de son appartenance à la fois au monde occidental et oriental. Ni tout à fait indienne ni tout à fait américaine, elle porte un regard acéré sur le monde post-colonial et sur l’envers de la mondialisation.

Le métissage pourrait être le mot qui définit son travail. Ce sont des sculptures hybrides, à l’image du monde dans lequel nous vivons, qui est celui de la globalisation, des échanges culturels incessants et de l’abolition des distances (grâce aux réseaux de communication et de transport).
Ce sont ses origines qui constituent le pivot essentiel de sa création. En effet, l’Inde est une société dans laquelle religion et spiritualité occupent une place quotidienne et centrale. De ce fait, c’est le syncrétisme qui semble à même de définir l’orientation de son œuvre : entre mondialisation, puissance économique et mysticisme ; entre mythologie, religion, anthropologie et exotisme de pacotille engendré par le tourisme de masse.

Selon ses propres termes, son travail “explore des moments coloniaux spécifiques qui réinventent le lieu et l’identité [indienne] comme autant d’expériences complexes de diaspora.” Finalement, c’est une critique politique subtile que laisse émerger son travail : la mise en garde contre la dilution de la culture indienne dans la mondialisation.

Ici, le titre pourrait se traduire ainsi : Elle est mon pays… Son haleine était chargée de mort et de folie putrides. Ses tresses brisaient la cupidité la plus exacerbée, poussaient les cultures à souiller leurs lits, séparaient les familles et invoquaient l’espoir… elle est en guerre. Rina Banerjee évoque-t-elle sa nation ? Ou bien une histoire plus personnelle ? Les deux ? Il est difficile de trancher et ces longs titres abscons apparaissent alors comme l’illustration littéraire de l’ambiguïté formelle et du baroquisme de ses sculptures.

Nina ADLER :  ISTANBUL

Métropole sur deux continents, avec les cultures, les contrastes et les influences millénaires des deux, bien mélangés sur les deux rives du Bosphore. Très ancienne, pourtant à pas de géant vers un futur fulgurant.

Le grand photographe turque, ARA GÜLER, membre réputé de MAGNUM durant des décennies, et qui parcoure sa ville depuis les années 1950, en a fait un portrait  émouvant qui m’a profondément touché et inspiré.  En argentique et N/B évidemment !

J’ai voulu savoir si, à l’heure de nos jours et  malgré le développement explosif des dernières années, Istanbul a gardé un peu de cet esprit, et comment il s’intègre dans une métropole pétillante de modernité.

Durant plusieurs visites en 2012 et 2013 j’ai donc parcouru la ville ; éloignée des quartiers touristiques, je me suis baladée dans les vieilles rues, parfois pavées, de Fatih, d’Eyüp, de Çukurcuma, de Galata, d’Üsküdar, d’Istinye ; j’ai flâné dans le fashionable Bebek, sur la rue piétonne d’Istaklal, sur les promenades longeant le Bosphore.

Depuis le début il m’est apparu comme une évidence de penser ces photos en noir et blanc.  Oui, je sais bien qu’on a changé d’époque, qu’il n’y a plus de charrettes dans les rues, plus de fumée de charbon sur le Bosphore.  Néanmoins, Istanbul a toujours quelque chose à part, difficilement définissable.  Peut-être c’est l’Hüsün  -  la mélancholie stambouliote, comme le décrit Orhan Pamuk dans son livre sur Istanbul.  En tout cas elle  m’attire et je n’en ai pas fini avec elle.